[AUDIO_EN_BLANCO] Josep Cerdà, profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y director del máster en arte sonoro de la Universidad de Barcelona. Hoy voy a hablar de los conceptos de arte sonoro relacionados con las vanguardias del siglo XX, con los inicios de lo que podíamos establecer arte sonoro. Arte sonoro, si vamos a ver, es la articulación de varias disciplinas, pero es la articulación de varias disciplinas con límites imprecisos y fronteras que durante el siglo XX han sido fluctuantes. Arte sonoro hace referencia a propuestas artísticas, propuestas artísticas que normalmente o muchas veces generadas a partir del ambiente de los artistas plásticos, pero donde confluyen artes plásticas, donde confluyen elementos musicales, donde hay elementos espaciales, sobre todo de espacio arquitectónico y de paisaje. Pero también, a lo largo del siglo XX, habrán propuestas que vienen de la poesía visual y fonética y elementos que vendrán de las artes escénicas y las artes de la acción. Por lo tanto, lo que podríamos establecer es que arte sonoro es básicamente un arte interdisciplinar y lo único que sabemos es que desde el siglo XX, los artistas del siglo XX usaron el sonido como un material. De la misma manera que podemos distribuir bidimensionalmente el espacio mediante líneas, formas, colores, y en el espacio tridimensional con formas, también podemos, en cierta manera, organizar el espacio mediante los sonidos. Eso es lo que hace el arte sonoro. Hay un elemento muy importante a establecer cuando hablamos de sonido y espacio, y es que a partir de los años 60 del siglo pasado, esos artistas plásticos, o músicos, pues empezaron a exponer sonidos dentro de las galerías de arte. Exponer sonidos en una galería de arte representó un más allá porque, hasta ese momento, se estaba trabajando, se hacía, esos elementos musicales se daban en las salas de concierto. La evolución del siglo XX tiene referencia a este elemento de experimentación artística. De hecho, todas las vanguardias del siglo XX se basan en la experimentación artística, explorar nuevos territorios, buscar nuevos elementos expresivos. Y las vanguaridas del siglo XX, una de las búsquedas más frecuentes fue la búsqueda de la abstracción. Si vamos a mirar, qué es lo más abstracto que el sonido, un elemento efímero, que no tiene forma, y un elemento que es inmaterial. Por lo tanto, era casi obligatorio, casi predecible este elemento de juntar artes plásticas y sonido a partir de ese elemento de la abstracción. Cuando decimos arte sonoro, en realidad decimos un concepto que no tiene más de 30 años de ser acuñado, porque esto, la palabra arte sonoro apareció por primera vez en una exposición de Hellerman en 1983, en Nueva York. Por lo tanto, estamos en un arte con todo para desarrollar por delante y un arte que sí que tiene una relación, como he dicho, una relación física con el sonido, que tiene algo que ver con esa relación temporal y esta indivisibilidad entre sonido y espacio. Cronológicamente, tenemos que establecer que el punto de partida es el libro, el opúsculo que realizó Luigi Russolo en 1913, que es L'Arte dei rumori. L'Arte dei rumori, de 1913, es el primer concepto claro que nos establece lo que es arte sonoro. Los futuristas italianos tenían en la máquina como un símbolo de progreso, y el propio Luigi Russolo dijo que el sonido era propio, el incremento del sonido, es decir, lo que ellos entendían, el ruido, era propio del crecimiento de nuestra sociedad. Una de las figuras claves en las vanguardias del arte sonoro fue Marcel Duchamp. Marcel Duchamp, gran experimentador, abrió muchos de los conceptos que ahora están establecidos en la historia del arte del siglo XX. Y en 1913, Marcel Duchamp compone dos obras de importancia, una es Erratum Musical y la otra es La mariée mise à nu par ses célibataires, même; donde la composición la hace mediante elementos totalmente azarosos y totalmente aleatorios. En Erratum, pues establece una composición con unas bolas, como si fuera un mingo, y La mariée también mediante elementos totalmente azarosos. Pero yo creo que la figura fundamental en arte sonoro, es obvio que tenemos que centrarnos en la figura de John Cage. Él es el que estableció arte sonoro tal como entendemos hoy en día. John Cage en realidad lo que dijo es uno de los aspectos, creo que es clave en arte sonoro, que es decir que es música todo lo que se escucha, o lo que dijo you ampliando el propio John Cage, que dijo que la acción de escuchar es en sí misma una creación artística. Una de las obras fundamentales del siglo XX es 4'33'', cuatro minutos, 33 segundos. Una obra de John Cage que es una partitura de tres movimientos de silencio. Bueno, pero en realidad se ha dicho mucho que John Cage lo que introduce es la noción de silencio, pero lo que en realidad introduce John Cage es el acto de escuchar, es decir, ese silencio que está lleno de unos microacontecimientos sonoros que John Cage, por lo tanto, lo que está fomentando es la escucha atenta, es decir, lo que escuchan esos espectadores en los 4'33'', cuatro minutos, 33 segundos, es todo lo que esos sonidos llevan apareciendo en la sala de conciertos. John Cage, no obstante, desarrolla otros conceptos de interés. El primero es el concepto de la actitud experimental. Él dice que el arte, el arte sonoro y cualquier relación artística, es un proceso, un proceso cuyo resultado final es desconocido. Es una actividad, es un proceso al azar. Es un proceso que intervienen elementos aleatorios. Un poco como hemos explicado con Marcel Duchamp. John Cage y Marcel Duchamp eran grandes amigos que incluso podían establecer partituras, y de hecho existen partituras de ellos dos jugando al ajedrez. De aquí you tenemos que pasar directamente a los años 60. En los años 60 es obligatorio establecer como el arte sonoro, obviamente, como los Fluxus, como el gran movimiento, un movimiento que es creador del happening y que sí que tenían algunas relaciones que you se habían experimentado o fomentado a partir de los dadaístas, futuristas, concretistas, y el propio Duchamp, como hemos dicho antes, pero lo que nos aporta realmente el movimiento Fluxus es la relación arte-vida, es decir, que la vida misma es una obra de arte. Y Fluxus lo que hace es ampliar esta noción de proceso, obviamente influenciado por John Cage, que a parte fue prácticamente el padre espiritual del movimiento, pues esa idea de experimentación y por esto Fluxus siempre nos habla de eventos. Fluxus quiere decir fluidos, es un elemento que también tiene algo que ver con lo que había experimentado antes John Cage con la teoría del caos, es decir, cualquier elemento de lo que nos rodea puede ser susceptible a ser una clase artística. Acordaos, por ejemplo, las acciones que se hacían en los años 60, y concretamente en el 64, aquellas acciones que se hacían con un simple papel. Benjamín Peterson con un papel podía hacer un gran concierto o con unos papeles hacía el sonido de rasgar, de manipular, de doblar, de buscar todas las posibilidades sonoras de este elemento papel, pues podía ser un elemento a investigar y buscar todas las posibilidades. [AUDIO_EN_BLANCO]
